Свадебка
The Guardian назвал «Свадебку» в исполнении Ансамбля Покровского «захватывающим событием в историческом музыковедении.»

В начале мая 1994 года, в дни, совпавшие с пятидесятилетием Дмитрия Покровского, состоялась премьера « Свадебки» И. Стравинского в исполнении Ансамбля Дмитрия Покровского. Это было в Нью-Йорке, в зале Бруклинской Академии Музыки, в знаменитом «Majestic theater»,- театре Питера Брука, связанном с именами Баланчина, Кейджа, Стива Райха,- в рамках большого международного фестиваля, посвящённого творчеству И.Ф.Стравинского. На этом фестивале, представленном именами известных исполнителей, прославленных музыкальных коллективов и крупных учёных -стравинистов, Ансамбль Покровского показал ,помимо «Свадебки», и её фольклорные источники.

Сценическая постановка «Свадебки» сопровождалась серьёзным научным её обоснованием, сделанным Д.В. Покровским. И нетрадиционная вокальная интерпретация, и научное сообщение стали подлинной сенсацией в музыкальном мире и породили много дискуссий в творческих и академических кругах, которые не прекращались повсюду, где Ансамбль Покровского исполнял «Свадебку». А это были очень известные города и залы. Например, Тенгелвуд - храм академической музыки, летняя резиденция Бостонского симфонического оркестра, построенная специально для Л.Кусевицкого, своего рода Мекка для музыкантов всего мира, - как Париж для художников, где артист либо теряет всё, либо приобретает мировое признание,- и именно в этом зале представление «Свадебки» и традиционных свадебных обрядов в исполнении Ансамбля Покровского было признано лучшим спектаклем года! Потом - концерты в знаменитой Сиднейской опере, Мельбурне, Лос - Анжелесе, Сан-Франциско, Миннеаполисе, других городах США. На одном из американских фестивалей Ансамбль Покровского за «Свадебку» даже был объявлен в номинации авангардного танца(!)

( напомним, что произведение И. Стравинского называется « Русские хореографические сцены с пением и музыкой на народные тексты»).

Даже этот, далеко не полный перечень концертных залов может подчеркнуть уровень и масштабность события, которое, к большому сожалению, практически, не было замечено в России.

Представлению «Свадебки» на сцене предшествовала запись и выпуск компакт-диска, осуществлённый компанией «Electra Nonesuch», причём, этот диск в течении двух лет занимал верхние строчки в рейтинге у музыкальных критиков. А записи диска , в свою очередь, предшествовала долгая, упорная, кропотливая архивная, экспедиционная и исследовательская работа, которую вёл Дмитрий Покровский, и в которой в той или иной степени принимал участие весь Ансамбль.

«Свадебка» Стравинского - во многом этапная работа для Ансамбля - ведь Д. Покровский всегда стремился со своими артистами уйти от образа коллектива чисто фольклорного, тем более этнографического; все годы своего существования Ансамбль исполнял и современную музыку, сотрудничая со многими композиторами, и обращался к классике (Мусоргский, Шостакович, Стравинский, Щедрин, Прокофьев), не говоря уже о многочисленных экспериментах с джазовыми и авангардными музыкантами. Но все эти опыты обычно расценивались большинством критиков и публики как очередное «чудачество» Покровского. На самом деле это были первые шаги, пробы в совершенно новом, таящем в себе огромные перспективы, направлении. «Свадебка» же - это первое авторское произведение, которое Ансамбль Покровского исполнил, не нарушив авторской концепции, законов жанра, но при этом перевернув абсолютно все, и нашёл нечто совершенно неожиданное, создав то, что нельзя было предугадать. Это и был новый шаг, сделанный Покровским, был найден новый язык, новый путь. Этим был вбит первый клин в долго и упорно выстраиваемую стену, отделяющую современное искусство от его естественных корней - ведь авангард всегда рассматривался как явление, которое отрицает, даже разрушает всё до сих пор существовавшее искусство. Покровский же на примере «Свадебки» показал, что это не разрушение, а проникновение в искусство 19 века законов более раннего творчества; что это - обращение Стравинского к гораздо более органичным, глубинным канонам искусства, чем те, которые использовала непосредственно перед этим существовавшая культура. Убедительное доказательство того, что это абсолютно авангардное произведение построено точно по законам фольклора - было взрывом.

Позиция теоретического анализа «Свадебки» и её сценического воплощения Ансамблем Покровского заключалась в том, что Стравинский - один из гениальных создателей, который использует конструктивные, структурные приёмы, вынесенные им из фольклора и его сознательного изучения. Д. Покровский со своими артистами так же изучал это произведение, как и те традиции народной музыки, из которых оно вышло. Экспедиционные записи, сделанные в Ансамбле, архивная и исследовательская работа показали поразительно точное следование Стравинским ладово-ритмическим закономерностям аутентичных свадебных напевов-формул региона юго-запада России, представленного основной частью песенных текстов, использованных композитором в «Свадебке». Уже это раскрывает глубокое знание Стравинским фольклорно-этнографического материала, связанного со свадебным обрядом, на которое он опирался при создании своего оригинального и отнюдь не этнографического произведения (что сам композитор-мистификатор всегда отрицал).Отсутствие же в «Свадебке» и набросках к ней каких-либо следов использования конкретных напевов из известных ему сборников народных песен - коренным образом отличающее её от остальных крупных произведений русского периода - позволяет утверждать, что Стравинский впервые в «Свадебке» сознательно и последовательно применил принципиально новый подход к результатам полевых исследований в области фольклора и этнографии. В этом и заключалось, поистине, революционное в отношении «Свадебки» открытие Д.В. Покровского, этому была посвящена его диссертация, над которой он работал последние дни своей жизни, и которую так и не успел окончить.

«Свадебка» Игоря Стравинского в исполнении Ансамбля Покровского стала настоящим потрясением как для людей, знакомых с творчеством Стравинского, так и для неискушённой публики. Слияние невероятной магии гениальной музыки с живой энергетикой голосов плюс нетрадиционное и простое сценическое решение – вот секрет этого абсолютного успеха. Минимум декораций – 4 деревянных лавки , подиум-стол и 4 механических пианино со снятыми крышками. Вместо привычного для академического исполнения этого произведения состава ( хор, балет и 4 солиста) – 18 исполнителей –артистов Ансамбля, поющих и двигающихся одновременно, и 6- 8 музыкантов – ударников, вовлекаемых в обряд. Многодневный русский традиционный свадебный ритуал, спрессованный в 24 минуты, оставляет неизгладимое впечатление во многом благодаря именно такому его музыкально –театральному воплощению, которое и предполагал Стравинский.

Ансамбль Покровского на протяжении почти пяти лет работал над этим произведением, провёл очень большое количество экспедиций по местам, откуда были взяты композитором подлинные тексты народных песен для либретто, и где сам Стравинский бывал. Итогом этой экспедиционной работы стали два свадебных обряда юго-запада и севера России, которые Ансамбль показывал в первом отделении концерта перед «Свадебкой» как подтверждение фольклорных корней этого авангардистского сочинения.

После долгого перерыва, в 2005г. Ансамбль Покровского вновь обратился к этому проекту в разных вариантах звучания.

Свадебка исполнялась Ансамблем вместе с музыкантами Бирмингемского симфонического оркестра, Мариинского театра, Лос-Анжелесского симфонического оркестра, Королевского Стокгольмского филармонического оркестра, пианистами Питером Донохоу, сёстрами Лабек, Жан-Ивом Тибоде, и др. в Лондоне(Барбикан), Бирмингеме(Симфонии-Холл), Кёльне(Филармония), Санкт-Петербурге(Новая сцена Мариинского театра),Стокгольме(Зал Королевской Филармонии),Лос-Анжелесе(УолтДисней Холл) под управлением английского дирижёра Томаса Адеса; с музыкантами San Francisco Symphony и New World Symphony под управлением Майкла Тилсона Томаса(МТТ); совместно с хором New Siberian Singers Новосибирской филармонии и дирижёром Теодором Курентзисом; оркестром Avanti! (Хельсинки) с дирижёром Дмитрием Слободенюком; музыкантами оркестра  Teatro Massimo (Палермо),дирижёр Дэниеэль Кавка; Марком-Андре Амденом и музыкантами .симфонического оркестпа Сиэттла, дирижёр Людовик Морло.

Пол Уинтер
Одним из значимых событий в творческой жизни Ансамбля Покровского стала встреча и работа с Полом Уинтером (неоднократным обладателем премии Grammy) и его ансамблем «Пол Уинтер Консорт» (Paul Winter Consort), играющим музыку, объединяющую классические, джазовые , роковые, фольклорные интонации, бразильские и африканские элементы. Стиль музыки, которую создаёт Пол Уинтер, добиваясь "пограничной текстуры звуков" ,называют "мировым "джазом, "экологическим" джазом или "живой "музыкой.

Комбинация джаза, фолка, этно, классики и их элементов с криками орлов, воем волков, и песнями китов - всё это -его музыка. В интересы этого неординарного человека и музыканта входит не только музыкальная, но и социальная гармония ,а также сохранение нетронутой живой природы и объединение через музыку культур разных народов. Кассета с музыкой их альбома "Roads" была взята на борт космического аппарата "Apollo15", и астронавты назвали два лунных кратера в честь двух песен оттуда. Джордж Мартин, бывший продюсер Биттлз, назвал их альбом "Icarus" тончайшим из альбомов, которые ему приходилось делать.

В 1986 году Пол Уинтер, до того побывавший в России в Сибири и на озере Байкал, где записывал звуки живой природы в самых недоступных местах, дал концерт в Московском Государственном Университете вместе с Ансамблем Дмитрия Покровского. Из этой встречи родилась идея совместного альбома, которая и была через год осуществлена ("Пульс земли"\"Earthbeat",1987, «Мелодия» и Living Music,также номинированный на “Grammy”) За этим последовали многочисленные концерты. Только за время своего первого совместного турне по США артисты посетили 23 города.

«Пульс Земли» стал первым альбом оригинальной музыки, созданный американцами и русскими.

Музыка этого диска, родившегося из совместной импровизации, живёт по новым музыкальным законам, объединяя западные гармонии и афро-бразильские ритмы с древними славянскими песнопениями и необычной энергетикой голосов.

«Классические музыканты записывались неоднократно со своими русскими коллегами – мгновенно на ум придут имена Леопольда Стоковского, Вана Клайберна, Байрона Джениса. Но это сотворчество ансамблей Пола Уинтера и Дмитрия Покровского - первое и единственное в своём роде в неклассической мировой музыке. Может быть, оно станет первым из многих ,возвещая истинную открытость между нашими народами.»

Мартин Букспен (Martin Bookspan)

«…В альбоме «Пульс Земли» необычайно привлекают природные звуки голосов ансамбля Покровского, заставляя ощущать трепет от их открытия ….В том, как Пол сплавил воедино их тысячелетнюю певческую традицию с индивидуальным стилем своей группы, есть убедительное подтверждение его веры в единство мировой песни»

Дэйв Брубек (Dave Brubeck)

Удивительно, но музыка ,созданная как эксперимент почти 20 лет назад, не утратила своей актуальности и привлекательности для публики и сегодня. Видимо, её подлинная, живая и искренняя энергия – это то, чего не хватает многим аналогичным студийным проектам.

Этот альбом постоянно переиздаётся и по сей день пользуется большим успехом в США, Европе и Японии. Первая песня “Kursky funk” открывает популярное американское телевизионное шоу “Surviver».Использовались фрагменты песен этого диска в театральных спектаклях, художественных, документальных и мультипликационных фильмах, как заставки звучали в российской телепрограмме «Впрок».

Концерты “Earthbeat” вновь с успехом проходят в Испании(Лас –Пальмас,2003), Израиле(Эйлат,2003), США(Нью-Йорк, Пенсильвания, Вермонт,2003,2004,2005), Японии (Токио, Хиросима, Мисоно,Сендай 2005). Сейчас “Living Music” готовит к выходу альбом “Earthbeat-2”, в котором объединятся музыкальные традиции России, Японии, Африки, Бразилии.

В России же с 1986 года концертов с программой «Пульс Земли» не было. Только на концертах, посвящённых 30-тилетию Ансамбля Покровского в Москве (центр «Дом» и театр на Таганке) и Петербурге (театр им. Ленсовета), зрители вновь увидели Ансамбль вместе с Полом Уинтером . Тогда его приезд (к сожалению, без всего коллектива) удалось осуществить при поддержке Фонда Форда.

Настоящая музыка современна всегда. И подтверждением тому стали новые, теперь уже юбилейные совместные концерты Paul Winter Consort и Ансамбля Дмитрия Покровского в России. Они с успехом прошли в Москве, Смоленске, Твери, Чите, Екатеринбурге, Новосибирске в 2008г. Облетев за 20 лет земной шар, музыка вновь вернулась к своим истокам.

В 2009 году Ансамбль Покровского вновь принял участие в 30-х ежегодных рождественских представлениях Пола Уинтера "Solstice" в Нью-Йорке в соборе Saint-John The Divine.

Синодальный хор
Творческое содружество Ансамбля с Синодальным хором п\р Алексея Пузакова началось в 2007г. На фестивале "Московская осень" были показаны сочинения А.Микиты "Сам Един еси Бессмертный" и "Господи,Помилуй" ,написанные специально для этих двух коллективов. Экспериментальное соединение столь разных вокальных стихий оказалось настолько интересным и неожиданным,что стала очевидной необходимость его продолжения и развития в других музыкальных жанрах и формах. Сейчас это уже 2 новых совместных проекта - "Страшная месть" по повести Н.Гоголя и "Богородичная Мистерия " на канонические средневековые тексты, стихи русских поэтов и народные духовные стихи.

"Страшная месть"

По замыслу проект представляет собой оригинальное музыкально-сценическое воплощение выдающегося произведения Н.В.Гоголя. В основе спектакля лежит либретто, принадлежащее перу литератора 2-ой половины XIX века П.А.Висковатого, специально написанное для Н.А.Римского-Корсакова. К сожалению, сценарий этот так и не был использован композитором. Уникальность произведения состоит в сочетании нескольких видов музыкального исполнительства: хорового и инструментального, академического и фольклорного, а также в синтезе, взаимопроникновении и столкновении различных жанровых и стилистических пластов и направлений национальной музыкальной культуры от подлинных народных песен в их аутентичном звучании до церковных обиходных напевов. Такое художественное решение органично соотносится с содержательным и образным рядами повести, с различными историческими и фантастическими планами. Вместе с тем, спектакль восходит к стилистике русского народного театра и к так называемой "школьной драме"

:Ох уж этот Гоголь. Кто, да и когда узнает, смеется он или плачет, грустит или издевается? Да и над кем: над миром, над собой, над всеми нами? Он вроде бы всегда здесь: подсматривает насмешливо над нашими суетливыми шажками, и вроде бы и нет его: А зачем нам Гоголь? Обойдемся без этого пересмешника! Бабушкины сказки, небывальщина!.. Гоголя невозможно играть, воплощать, изучать, воспроизводить! Он учит нас не замыкаться в рамках видимого привычного: мир изменяем, и воспринимаем его мы в непостоянстве образов и форм, сегодня, и ежечастно и ежеминутно. Поймать миг, поймать смысл, и тут же убежать от него в попытке догнать ускользающее новое звучание. Мы будем просто играть, петь, разговаривать, вспоминать, репетировать, комментировать, вспоминая невоспоминаемое и постигая непостижное. Слова и мелодии слагаются в замкнутые формы: облачимся песню и станем по спирали возносится к тем недосягаемым смысловым высотам, за которыми только Божественное, там, где и прибывает Гоголь. (А.Висков)

«Богородичная Мистерия»

Мистерия представляет формы старинных Средневековых Литургических драм, возрождение которых в условиях русской культуры следует старинной традиции, заложенной еще в 16 веке и широко развитой в русском придворном и школьном быту, начиная с середины 17 века. Это попыткадуховного музыкально-сценического воплощения важнейших событий Нового Завета, посвященных земной жизни Пресвятой Богородицы и охватывающих историю жизни ее родителях: праведных Иоакима и Анны, Рождении Марии, нисхождении Архангела Гавриила и Благовещение, Рождение Иисуса. В основе действа лежат средневековые мистерии «Мистерия Благовещения», и «Мистерия о Рождении Иисуса», чрезвычайно распространенные в Средние века в странах Западной Европы и получившие развитие и в дальнейшей истории духовной музыки: от Баха и Генделя, до Орфа и Уэббера. По сути, это первое воплощение этого направления на русской почве. В сценарии использованы стихотворения русских поэтов -А. Блока, Д. Веневитинова, И. Ляличкина, В. Тредиаковского, И. Анненского. исторические работы А. Поселянина, а также народные духовные стихи и Синодальный перевод Нового Завета. Вместе с тем, в музыкальном отношении произведение восходит как Средневековой и Ренессансной, так и современной Западноевропейской стилистике.

Курские песни
Вряд ли можно найти в России большого композитора, который ни разу не обратился бы к традиционной музыкальной культуре – Балакирев, Римский-Корсаков, Лядов, Чайковский, Глинка, Мусоргский, Рахманинов, Шостакович – собирали, обрабатывали, варьировали, так или иначе использовали в своём творчестве народную песню. Г.В.Свиридов – продолжал линию русских классиков, обогащая её новейшими достижениями 20в, национальный характер высказывания соединяя с мировым музыкальным опытом. Его целью было-«воспеть Русь, где Господь дал и велел мне жить, радоваться и мучиться»

Свиридов, уроженец Курской губернии, впитал в себя фольклор с детства и сделал его основой своего творчества. Кантату «Курские песни» и сочинение «Три старинные песни Курской губернии» Г.В.Свиридов написал в 1964г, взяв за основу песни из опубликованного в 50-хгг сборника А.В. Рудневой "Народные песни Курской области". (За создание этого произведения в 1968г Г.В.Свиридов был удостоен Государственной премии СССР).

Известно, что Свиридов писал свои «Курские песни», полемизируя со Стравинским, подход которого к фольклору отвергал. И даже инструментовка одной из авторских редакций – два фортепиано и ударные – родились из аналогии со «Свадебкой» Стравинского («Русские хореографические сцены с пением и музыкой») - гениальное произведение для хора и солистов с 4 ф-но и ударными на народные тексты. Вокальный цикл «Курские песни», явился своего рода вершиной творчества Г.В.Свиридова и стал одним из шедевров советской музыки.

В «Курских песнях» не проступают черты какой-либо определенной эпохи. Однако в музыке этого произведения нашла отражение жизнь русского народа со всеми его особенностями. Чуткое отношение к народно-песенному материалу позволило Свиридову создать и особую гармоническую структуру музыкального сопровождения, которое своей емкостью, выразительностью равноценно основной мелодической линии и способствует выявлению смысла, содержания всего целого.

Все семь песен кантаты объединены общей музыкально-поэтиче¬ской идеей. За отдельными зарисовками можно увидеть историю крестьянской девушки. Она любит, гуляет с милым, выходит замуж, становится матерью, страдает от измены мужа, горюет в «золотой клетке». Эта единая драматическая линия завершается яркой народной сценой, всё же оптимистической по характеру. Жизнь идет своим чередом, поглощая горести, и песни продолжают греметь...В целом кантата представляет собою нечто совершенно новое в русской музыке: не сюиту, не «венок» из фольклорных обработок, а возникшее на основе подлинных народных песен самостоятельное по замыслу произведение, пронизанное одной большой мыслью и любовью к родине. Сочинение «Три старинные песни курской губернии» по смыслу очень близко «Курским песням», и поначалу Свиридов хотел объединить эти произведения в одну большую кантату. Но позже всё-таки оставил их как два самостоятельных произведения.

В осуществлении этого проекта приняли участие гл.дирижёр Московского Академического музыкального театра им.К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко з.а.России Феликс Коробов, фортепианный дуэт Ирина Силиванова и Максим Пурыжинский, а также музыканты–исполнители на ударных инструментах под управлением Петра Главатских. В концерте звучат и те самые песни Курской области, которые вдохновили композитора на создание этой музыки.

Концепция концерта «Стравинский и Свиридов»– фольклор в авторском преломлении двух таких противоположных композиторов, как И.Стравинский и Г.Свиридов (на примере «Русских циклов» Стравинского и «Курских песен» Свиридова( к 45-летию написания). Их полярный подход к народному творчеству обусловлен и мировоззренческими противоречиями, и, соответственно, разницей творческих методов. Стравинский, изучив фонетику народной песни, полностью освоив её ладовые, мелодико-ритмические и структурные закономерности, усовершенствовал свой абсолютно новаторский стиль. Стравинский практически никогда не использовал народные темы в чистом виде, переплавляя их в своём сознании, для Свиридова принципиально была важна близость к первоисточнику

И.Ф. Стравинский(1882-1971) -великий русский композитор, новаторские произведения которого были сродни революционной теории относительности в физике. Влияние его на музыку ХХв огромно. Его шедевры вошли в основной репертуар исполнителей многих стран мира. Если для Стравинского фольклор был некой экзотической эстетикой, то для Свиридова – основой народности и почвенности.

Так называемые «Русские циклы» относятся к «русскому периоду» в творчестве Стравинского – и, более конкретно, - периоду его работы над «Свадебкой», также написанной на подлинные тексты. Естественно, стилистика этих сочинений достаточно близка. Эта «русская» линия связана с передачей обрядово - архаичного, первозданного. В это время Стравинский осваивает не только ладовые и мелодико – ритмические особенности русского фольклора, но и его структурные закономерности. Изучая фонетику русской народной песни, игру речевыми акцентами в пении, он использует переменную функцию интонационного ударения как специфическую черту собственного стиля. Интерес к «детской» тематике тоже, вероятно, связан с интересом Стравинского к архетипу, к праистоку, в данном случае – к архетипу детской психики .

Это 4 цикла на народные тексты, собранные Александром Афанасьевым(19в): «Подблюдные песни» (1914 -1917) - 4 русские крестьянские песни для женского вокального ансамбля без сопровождения, - названы по широко распространённому на Руси способу святочных гаданий – гаданию на кольцах;«Кошачьи колыбельные песни » (1915-1916) (вокальная сюита для голоса и трёх кларнетов), посвящены русским художникам Михаилу Ларионову и Наталье Гончаровой; «Прибаутки» (1914) – 4 шуточные песенки для голоса и камерного ансамбля - посвящены жене; «Четыре русские песни» (для голоса и камерного ансамбля) (1917-1954), объединившие в разных редакциях песни из двух циклов («4 русские песни» для голоса и фортепьяно и «3 истории» для детей) песни (для сопрано, флейты, арфы и гитары, на основе 4-х русских песен для голоса и фортепьяно и 3-х историй для детей).